Capítulo 1. Introducción: iconografía y estilo

La imagen figurativa debe estudiarse (o crearse, si te dedicas a la creación) analíticamente atendiendo a sus dos principales componentes: la iconografía y el estilo. Las posibilidades creativas no permiten nada más allá de la iconografía y el estilo, salvo elegir la técnica, pero las técnicas no son objeto de estudio en este libro.

1. Iconografía e iconología: 
el arte de interpretar las imágenes figurativas

ANÁLISIS ICONOGRÁFICO       El proceso de este análisis consta de dos operaciones sucesivas: identificar para describir. Es decir, el experto en iconografía es la persona que trata de identificar qué elementos aparecen en una imagen figurativa para después pasar a describirla de manera tan minuciosa como le sea posible. Sin este proceso inicial analítico, no se puede llegar a una fiable y convincente interpretación.

INTERPRETACIÓN ICONOLÓGICA      Aprendemos de la iconografía porque tras el debido análisis de sus elementos constituyentes podemos colegir en toda su profundidad el mensaje de los creadores. 

Una familia de artesanos de Amsterdam de
mediados del siglo XVII... si no fuera por
la presencia de ángeles. Gracias a la
iconografía, Rembrandt convierte esta  
Sagrada Familia del Hermitage en una imagen
costumbrista, cercana para sus vecinos;
no exenta, además, de sentido del humor y
ternura. La Virgen María lee: deducimos que se
trata de una mujer culta y quizás luterana

CREAR ICONOGRAFÍA        O, simplemente, tener algo que contar. Si eres profesional de la plástica, muy probablemente creas iconografías, pues solamente prescinde de iconografía la plástica abstracta. Ganarás en intención y eficacia comunicativa si eres capaz de descubrir por qué decides cada elemento que incluyes en tu creación: cada objeto o figura, su color, textura, dimensiones; la propia iluminación y la relación entre figuras o composición. Sí, incluso el modo de componer o interconectar estos elementos resulta significativo, evidencia tus intenciones y tu habilidad creativa.

 

 

 

 

 

 

La representación de lo imposible caracteriza a la
 iconografía surrealista, poética inagotable tanto
para la crítica como para el humor. Aquí una
ilustración de Nader Sharaf (Naturofilia, 2013)

GÉNEROS  ICONOGRÁFICOS        La iconografía religiosa, la iconografía surrealista, el paisaje, el bodegón, el retrato, etcétera, son géneros iconográficos. La aproximación a la iconografía mencionando solamente el género resulta demasiado somera y superficial para aprender de ella. El género no explica el mensaje, apenas nos dice qué variedad de imágenes son las características de cada tiempo y lugar, los temas o asuntos de moda en la iconografía.

2. El estilo: análisis del lenguaje formal o estilístico

ESTILO IMPRESIONISTA
Melancolía y ensoñación en este paisaje
de estilo impresionista. Singer Sargent, Jardines del
Luxemburgo, siglo XIX, Museo de Arte de Filadelfia

EL ESTILO TAMBIÉN SIGNIFICA      Las decisiones estilísticas contribuyen igualmente a matizar el mensaje de las figuras representadas. Por ejemplo, el estilo impresionista no solo es un estilo de moda para la representación de paisajes en los años postreros del siglo XIX; empleado con habilidad, su imprecisión en las formas lineales puede servirte para subrayar la velocidad en unas figuras que corren, para sugerir carácter o tristeza en un rostro, o incluso para conferir un ambiente de ensoñación a un lugar. Así que debes emplear los estilos consciente de que se interpretarán de una manera u otra.

ESTILOS Y TÉCNICAS     Todas las técnicas disponen de un amplio abanico de estilos. Muy pocos estilos figurativos son exclusivos de las artes pictóricas (óleo, acuarela, grabado, tinta china, témpera, pastel), apenas el estilo esquemático y el estilo fovista. La fotografía participa de todos los demás:  naturalista, impresionista, neoimpresionista, expresionista, cubista. Y, desde luego, las técnicas mixtas e infográficas los emplean todos. 

ESTILO NATURALISTA
Naturalismo en plástica:
 pintura sobre seda, Huizong, siglo XII

ESTILOS FIGURATIVOS       

u El estilo naturalista o simplemente clásico, denominado popularmente estilo realista, se caracteriza por reproducir con detalle lo que vemos; es un estilo preciso, minucioso. La fotografía es la técnica que nos ofrece por defecto el estilo naturalista (por supuesto, siempre que se dispare a la debida velocidad y la imagen no aparezca borrosa).

El estilo naturalista se ha cultivado siempre. Lo encontramos en las cuevas prehistóricas de Altamira, en los antiguos retratos romanos, en la pintura medieval de los emperadores chinos Song, en todo Occidente desde el Renacimiento. 

ESTILO MANIERISTA
Klimt (Friso de Beethoven, Palacio de Exposiciones de
la Secesión, Viena) adelgaza y engorda a sus figuras a voluntad

u El estilo naturalista geométrico o abstraizante reduce la variedad del estilo naturalista al simplificar los volúmenes acercándolos a figuras geométricas. Por ejemplo, en este estilo un brazo se verá demasiado cilíndrico para resultar convincente, o los ojos, demasiado almendrados; o la cabeza, sospechosamente esférica para resultar creíble.

ESTILO IMPRESIONISTA
Fotografía impresionista de Robert Demachy,
casi indistinguible de un dibujo al carboncillo

Este es el estilo de la propaganda monárquica de los imperios antiguos, cuando se trataba de representar simbólicamente la eternidad de los gobernantes. No logramos saber por qué este estilo volvió a convertirse en el principal tras la caída del Imperio Romano, con siete siglos de desarrollo en toda la cristiandad. Más tarde lo preferiran algunas vanguardias inspiradas en el arte primitivista de Gauguin. El estilo cubista puede considerarse una variedad del estilo abstrizante o geométrico: aquella que compone los planos de las figuras a capricho.  

u El estilo manierista es una variedad del estilo naturalista que estiliza considerablemente la proporción de las figuras. Aunque la expresión "manierista" procede del siglo XVI, el manierismo no es exclusivo de las portentosas figuras de Miguel Ángel y las filiformes de El Greco; puede hallarse ampliamente representado en el gótico internacional de los siglos XIV y XV, y fue un estilo favorito de la figuración Art Nouveau (Mucha, Klimt) y de artistas posteriores como Fernando Botero.  

u El estilo impresionista consiste generalmente en un abocetado cromático. Considerado durante siglos un estilo preparatorio o de transición al estilo final naturalista, numerosos pintores y fotógrafos del siglo XIX auparon este estilo hasta convertirlo en opción legítima de la obra terminada (Turner, Monet, Demachi).  

ESTILO ABSTRAIZANTE (dibujo) y EXPRESIONISTA (color)
Gauguin (Ta matete, s. XIX) pintaba como los antiguos,
grandes superficies compuestas con geometría y reducción
de color y detalles: el estilo arcaizante, abstraizante

u El estilo neoimpresionista compone las imágenes adosando módulos cromáticos de idéntico valor, exactamente igual que si lo hiciera una máquina. Cuando miras muy cerca un cartel realizado con impresión de cuatricomía estás viendo un ejemplo de neoimpresionismo, divisionismo o puntillismo, denominaciones sinónimas para hablar del mismo estilo. El término más engañoso es el de puntillismo, ya que estos módulos pueden tener formas diferentes del punto circular. Estilo originario del pintor Seurat y muy secundado por los pintores europeos desde 1885. 

ESTILO NEOIMPRESIONISTA o DIVISIONISTA
Segantini eligió el divisionismo para su versión del pecado original:   
La vanidad (o La fuente del mal), 1887, Milán, privada

ESTILO CUBISTA
Músicos, fotografía cubista de Johsua Naylor, 2005

u El estilo expresionista propone una deformación del naturalismo al reducir su riqueza cromática a pocos colores. Estilo fovista significa lo mismo.   

u El estilo cubista compone los planos de los objetos figurados a capricho, buscando (generalmente) efectos plásticos interesantes desde un punto de vista decorativo. Picasso, su gran artista, logró incluso que el cubismo le sirviera para intensificar las expresiones de dolor.    

ESTILO CUBISTA
El cubismo promovió la reducción cromática
(monocromía, bicromía) y permitió a los artistas combinar
perspectivas, trastocar la escala de las figuras y
variar el grosor del trazo a capricho.
Acuarela de Roberto Maján (2016)   

u El estilo esquemático queda perfectamente definido por su nombre. Carece de detalle y su mejor virtud es la rapidez de lectura que permite, así que lo usan las señales de tráfico y numerosas creaciones del diseño gráfico.

ESTILO ESQUEMÁTICO
En las Cícladas, hace 5.000 años,
se esculpió este esquemático músico

ESTILO ESQUEMÁTICO       El esquematismo radical distingue a Calpurnio de otros
profesionales del dibujo. Aquí, el bueno de Cuttlas se enfrenta a Dark Wader

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